Puesta en escena de un debate en Bogotá, Colombia.
Residencia
artística apoyada por el el Espacio Ambimental, el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, y el
Ministerio de Cultura de Colombia.
FIN DE RESIDENCIA. 9 DE JUNIO 2011 A LAS 19:30. ESPACIO AMBIMENTAL. Calle 9 #2-17, La Candelaria. Bogotá
Bogotá.
Vine aquí a encontrarme. Con ustedes.
Sin demasiado afán por componer una coreografía que se presentaría en algún espacio con maravillosos bailarines locales. Hubiera podido así justificar fluidamente los fondos públicos que me han sido otorgados para realizar una residencia artística en la ciudad de Bogotá. Y me habría regresado a México con una pieza más que agregar a mi hoja de vida. Y en unos años hablaría de ello como esa etapa de mi vida en la que viví en Colombia y trabaje con…
Y seguramente hubiera sido mucho más sencillo.
En cambio después de 9 semanas y medio, me es difícil darle forma al trabajo que he venido a desarrollar. El principio de éste es sin duda encontrarme con ustedes. Y eso ha ido sucediendo desde el 4 de abril, día en que pisé Bogotá por primera vez.
Los encuentros sin duda han sido gratos.
Acompañados de consejos, de risas e intercambios de acentos.
Me han ofrecido contactos, me han contado experiencias, historias, a veces íntimas, e incluso me han recomendado como debería de realizar este proyecto.
Algunos me hablaron de las conclusiones que sacaría.
Otras veces, me han dejado plantada.
En mi condición de extranjera, represento un contenedor de narraciones que dibujan el panorama general de cómo son las cosas aquí. Y festejo con cierta intriga el que en muchas ocasiones se contradigan diametralmente las opiniones. Cosa que probablemente sucedería en México si le diéramos la palabra a la gente de escena. Claro que aquí se habla más, y tal vez con mayor claridad. Porque eso es definitivamente notable: vuestro débito de palabra y capacidad discursiva es enorme. Y todos estos bailarines-filósofos, bailarines-artistas plásticos, bailarines-cineastas, bailarines-antropólogos, bailarines-filólogos, bailarines-geógrafos, bailarines-pedagogos tienen mucho que decir de su trabajo.
Y del mío.
Yo en cambio, pienso que he sido absolutamente ambigua.
Ambigua como alguien que no tiene claro como tomar posturas en un lugar que apenas conoce. Ambigua como alguien que se salió de su cómoda cotidianidad profesional para entrar en un terreno que desconoce. Porque no sé si hacer (y eso incluiría tal vez moverme un poco) o deshacer (y por eso estoy aquí leyendo estas hojas). Eso estoy haciendo. Y los que se están moviendo son ustedes. Y por más mínimos que sean vuestros gestos, los estoy disfrutando como una verdadera pieza de danza. Estoy gozando de la disposición de vuestros cuerpos en este espacio. Y estoy gozando al pensar que están pensando cosas que dirán y otras que no dirán, pero que han venido aquí sin tener ni puta idea de que se trata esto. Este proyecto se trata del lenguaje, de cómo un dispositivo puede afectar un discurso. Y cuando uso la palabra dispositivo, en este caso me refiero a las redes que se tejen en espacios específicos entre discursos, cuerpos y estares. Y el que esta noche propongo es el de una fiesta. Porque tengo la convicción de que con un par de copas encima, de vino, ron o jugo de maracuyá, uno deja salir cosas que no necesariamente saca cuando se le invita a un debate.
Y miento. Yo también me estoy moviendo.
Me he pasado semanas observando gestos, intentando leer códigos, y cuestionando mi interacción con ellos. No para imitarlos, ni explicarlos, ni tampoco para ilustrarlos. Simplemente para confirmar que la relación entre los cuerpos que cada uno de nosotros somos, desborda de información e impone demasiados a priores. De ahí que una de mis ilusiones es lograr descodificar algo. Cosa que hasta ahora, no parezco haber encontrado. Pero les aseguro que esa frágil intensión me está dando mucho para que dentro de poco, Nadia les pueda presentar el resultado de una fantástica especulación.
Una de las conclusiones que me algún maravilloso interlocutor me comentó que sacaría, es “Colombia es pasión”. Pero sinceramente y con absoluta admiración, pienso que no es así. O no sólo es así. Y luego leo “libertad y orden” en el escudo nacional, y me cuesta entenderlo. Pero entonces camino por la 26, paso por el parque de la 93 me regreso por la séptima hasta llegar a la novena… y me confundo un poco más. Y eso que no he ido a la cuadra picha; y por el barrio de la tolerancia solo he pasado en taxi. Queridos todos, al final somos bien parecidos.
Puede que en este momento esté en el lugar equivocado. O puede que alguno de ustedes también lo esté. Pero con entusiasmo y sinceridad, les agradezco que estén aquí, y que hayan estado aquí.
Por lo pronto, hay algo que celebrar, y por eso lo invito a que me saquen a bailar.
Las ciudades son platónicas: de alma inmortal
y cuerpos perecederos.
Las ciudades necesitan ser pensadas, idealizadas,
soñadas; es un juego de deidad.
El habitante: el jugador
Simon Parker
Colaboradores: Daniel Lara, Marcelino Champo, Nadia Lartigue, Tomas Alzogaray, Ivan Ontiveros,
Juan Pablo Marquez, Rut Mendoza.
LA MAQUETA es un proyecto escénico inspirado en un texto de Paul
Auster llamado “La música del azar”. Es una creación colectiva del
grupo en el que convergen varios artistas de diversas áreas
compenetrando géneros y juntando experiencias.
Es un montaje
experimental cuya escenografía es una maqueta que se construye en
tiempo real y va extendiéndose a medida que se narra la historia. La
maqueta es el objeto que representa a la Ciudad de México, con sus
ritmos y dinámicas actuales para crear una ficción y una interrogante
de lo que es concebir en colectividad. La ciudad no es únicamente un
área física, es una sensación y un estado de convivencia y vivencia
cotidiana. Es el espacio donde habitamos y nos desarrollamos, un lugar
de multiplicidades derivado en ciudades diversas, en esquemas de
producción y masificación. Es reducto de identidad y punto de encuentro
entre individuos que se configura diariamente, aún y a pesar de ser un
caos.
Con la maqueta se hace una representación del espacio urbano y
de ahí se enfoca a individualidades diversas, a historias interiormente
perdidas dentro de ella. Los personajes edifican “un mundo”, “un
universo” como una manera de intervenir en la ciudad y generar algún
bienestar, pero este se altera, se excede, se desborda. Ellos a través
del objeto plasman sus deseos, sus vicios y aspiraciones siendo los
representantes y protagonistas de la creación.
De esta manera, la maqueta se vuelve no únicamente un objeto, sino la representación, transformación, y perversión de los personajes para poder cambiar ese ideal de ciudad y hablar del individuo en las sociedades contemporáneas. El objetivo de la puesta en escena es hacer un trabajo plástico y simbólico a través del objeto, sugerir la idea de la construcción del individuo mediante el entorno en el que habita y presentar una ficción sobre la ciudad y los sueños de los habitantes que la integran.
Ficcionamos a la ciudad para hablar de la cotidianeidad, de un recorrido, de un barrio, de una calle, dehttp://proyectolamaqueta.yolasite.com/
Colaboración con Karlheinz Essl (composición música y video), Alexander Bruck (viola), Ivan Manzanilla (percusiones), Ivan Ontiveros (danza)
LABoratorio is a mixed-media performance for viola, percussion, live-electronics, dancers and realtime-generated video which was conceived by Karlheinz Essl for the festival Musica y Escena 2011 in Mexico City. In an experimental stage setting, an alchemistic laboratory is created where divers ingredients like music, dance and video are melted together in order to create a new being which transcends the original matters from which it is constructed.
The entire piece subdivided into 5 sections. Each section has its own title (an anagram derived from the word "laboratorio"), its own music and choreography (see below) and a specific visualization. These titles are:
Lab Oratorio- da braccio for viola and live-electronics
Root or Labia- Sequitur XI for vibraphone and live-electronics
To Boil a Roar- Improvisation a tre for viola, percussion and m@ze°2
Oral Air Boot- Sequitur IVb for viola and live-electronics
Aorta O'Broil- el-emen' for percussion and live-electronics
Visuals
The visuals (generated by a special computer program written by the
composer) create an immersive environment composed of various sources:
letters and secret messages, textures and paintings, architectural
elements and humans in movement. This ever-changing flow of dancing
images is projected onto a large screen in the back of the stage, being
controlled by the live music and also by random-based realtime
algorithms.
Dance
Stage setting at Sala Miguel Covarrubias (UNAM, México DF)
http://www.youtube.com/watch?v=2x6GZrangNo
http://www.youtube.com/watch?v=8r21qKTLN_w&feature=related
Colectivo Inquietando. Sala TOMADA. http://inquietando.wordpress.com
Inquietando Collective. Sala TOMADA. http://inquietando.wordpress.com
IRRUPTIONS/WORK PRESENTATION/DISCUSSIONS/QUOTES/ARTISTIC APPROPRIATIONS/DOUBTS/INSTALLATIONS
Sala tomada
Ante el panorama escénico que, hasta el día de hoy, rige en los recintos culturales de nuestro país, en donde las obras piden ser contempladas desde el recogimiento absorto y distante de la mirada de un espectador ajeno a todo proceso constitutivo, y en donde la danza se equipara con el desarrollo de virtuosas secuencias de movimiento, se vuelve necesaria una dosis de inquietud, que anime la irrupción en los espacios estáticos e inmunes, así como en la tradicional recepción escénica.
Tomar una sala. Esta es la acción con la que el Colectivo
Inquietando busca habitar recintos acaparados por obras complaciente para un
público mayoritario, con el fin de posicionar otro tipo
de experiencia, que
ya no requiere de ocultar sus rasgos constitutivos y procesuales tras un cuerpo
sólo virtuoso y una maquinaria teatral que fuerza el asombro y la fantasía.
Bajo esta perspectiva, Sala tomada es
una propuesta que congrega los trabajos de algunos de los integrantes de
Inquietando, y que pretende colmar de preguntas a aquel
espacio escénico
Así, aunque las propuestas que reúne Sala tomada distan de seguir elementos claramente coincidentes, cada una de ellas se identifica con las demás porque todas se han dado a la tarea de explorar lenguajes que rebasan al meramente dancístico, prescindiendo de cuerpos rígidamente entrenados, que ejecutan pasos de danza bien codificados. Debe destacarse que, si bien estas propuestas requieren de cierto tipo de trabajo corporal, todas reflejan un cuestionamiento a las formas academicistas de la danza y, por tanto, un detenido proceso de investigación.limitado por las cuatro paredes impuestas por la composición de los teatros a la italiana.
Echando mano de dispositivos tecnológicos, estos trabajos potencian la idea de un cuerpo que nunca se presenta en escena acabado ni perfecto, que siempre es en fragmentos y que se prolonga más allá de la materia propia, sea a través de una imagen instantánea, en su reconocerse en viejas fotografías, en el sonido de la voz o en la actualización de una obra de 1966. Así, a la manera del espectro, que rebasa su mero estar físico y que simultáneamente está en numerosos lugares, en estas piezas el cuerpo se re-combina y se re-piensa para re-inventarse ya sin detenerse en formas estetizadas o bien reconocidas. Y en este intento no puede pasarse por alto ese otro eco que se queda y toma la sala: el de las preguntas que se abren sobre la práctica dancística, que cuestionan la equivalencia entre danza y movimiento dancístico, entre danza y virtuosismo técnico, entre danza y admiración adormilada, y que potencian públicos curiosos, capaces de cuestionar Por otro lado, vemos que cada obra trae consigo la irrupción en la horizontalidad del espacio teatral; así, con el objetivo de reforzar la trasgresión de sus características físicas tradicionales (un espacio de cuatro paredes y un tiempo que va de la tercera llamada al aplauso final), y cuestionar el entendimiento de la obra como un producto final al que el espectador sólo va a contemplar, Sala tomada pretende que cada día un coreógrafo se apropie del recinto, proponiendo actividades a partir de su proceso y de su manera de trabajar la pieza. Para ello, se plantea la figura del anfitrión (desplazando a la de creador), como la persona que acoge, que comparte lo suyo y que nos invita a empaparnos de su obra, como si desde el momento de introducirnos en el hall, ya nos encontráramos envueltos por ésta o por alguno de los diferentes fragmentos que la constituyen. monopolios de significados.
Zulai Macías Osorno
Colectivo Inquietando
El taller teórico-práctico Inquietando nace en noviembre de 2009, en el contexto del XXX premio INBA-UAM, como una iniciativa impulsada por Alma Quintana y Esthel Vogrig. Con el objetivo de compartir sus inquietudes surgidas ante el panorama nacional e internacional del quehacer escénico contemporáneo, ambas coreógrafas convocan a construir una plataforma desde donde se inicie un cuestionamiento a dicho quehacer, teniendo siempre presente la necesidad de nutrirlo con elementos teóricos que, irremediablemente, transforman a la práctica (y viceversa). Así, en ese momento, un grupo de casi 20 personas, nos sentimos convocadas.
¿Cuál es panorama actual de la creación coreográfica? ¿Qué se están cuestionando los creadores contemporáneos? ¿Qué paradigmas están surgiendo a partir de las reflexiones teóricas que acompañan el quehacer coreográfico? ¿Cuáles son las características de la danza contemporánea en México? ¿En qué contexto nos encontramos? ¿De qué manera nos relacionamos con nuestra realidad socio-política? ¿Cuáles son las inquietudes de nuestra danza? Éstas son algunas de las preguntas a partir de las que se debatieron lecturas, videos y ejercicios creativos, conceptos y paradigmas desarrollados por distintos teóricos, creadores y curadores, así como las obras presentadas en el premio INBA-UAM.
La resonancia que tales discusiones tuvieron en algunos de los participantes, logró que dicho taller desbordara su margen temporal y se convirtiera en una plataforma abierta para compartir nuevas inquietudes y preguntas. Así, desde el intercambio de ideas, como creadores, intérpretes y público, y a partir de los constantes encuentros que se han sucedido hasta ahora, hicimos del pensar colectivo un ejercicio necesario para enriquecer la propia práctica profesional, ejercicio del que resultó, casi de manera natural, el ahora Colectivo Inquietando.
La continuidad que le hemos dado a nuestros encuentros responde a la necesidad de llenar un vacío teórico que existe alrededor de nuestra práctica, y al que nos habíamos enfrentado de manare solitaria. Aunado a ello, parece que para poner en cuestión el tradicional régimen estético, específicamente de la danza, se vuelve imprescindible un trabajo reflexivo, lo que potencia espacios de diálogo sobre las prácticas que buscan traspasar la barrera del quehacer dancístico limitado a pasos codificados y a arduos entrenamientos.
Afortunadamente, los participantes del colectivo, por separado pero, también, a raíz de los debates generados en cada inquietante encuentro, han formulado propuestas que se vinculan de manera congruente con el pensamiento que se ha ido construyendo, por lo que, quizá, pudieran fortalecer la fractura al panorama estático y dominante de la danza en nuestro país.
http://inquietando.wordpress.com/
Memoria de nuestro tiempo perdido. Dueto para 2007
Coreografía e interpretación: Gloria Godínez & Nadia Lartigue
Música: Intocable
Improvisaciones
La improvisación como práctica escénica.
Cocinando
Exploración solitaria en torno a una maravillosa cocina fuera de
lo común. Intervención espacial de Nadia Lartigue durante el encuentro
"Mujeres en Vilo" organizado por Itzia Nieves y Lourdes Mendoza.
La Quiñonera, septiembre 2008, México DF
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Embalajes lab #1
Proyecto EMBALAJES
Si los seres humanos somos como "paquetes de realidad", ¿Existe una identidad más allá de envolturas, máscaras y embalajes?
Lo que somos se encuentra debajo de esas capas o está escondido en medio de ellas.
Embalajes lab#1 no pretende despejar significados, sino enfocar nudos gordianos
Coreografía: Montserrat Payró*, Nadia Lartigue,
Intérpretes: Montserrat Payró, Nadia Lartigue, Francisco Maldonado, Letitia Tarno, Cuauhtémoc Rodríguez, Julia Reyes Retana.
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